Dolors Reig a la plaça del poble

Qui ho hauria de dir, en aquests temps que corren,  que la plaça del poble seria mainstream. Ens explicarem. El concepte de la plaça del poble és la punta de llança d’una tendència que els més experts en la matèria ja defensen com a l’única solució possible que tenen les marques per tal de subsistir en aquest món digital, que per molts és desconegut i salvatge, un món que avui dia encara molts no reconeixen però que hi és i ho serà tot, en un futur tampoc gaire llunyà.

Al capdavant del concepte de retorn a la plaça del poble hi trobem la Dolors Reig, psicòloga social i experta en social media. Reig defensa, bàsicament, que en un context de desconfiança cap a les marques, les opinions de la gent com tu i com jo, de la comunitat, són transcendentals. Al seu llibre titulat “Socionomía” la psicòloga defensa que l’individu connectat és més intel·ligent perquè aprèn dels altres, i és millor persona perquè confia i comparteix. Amb la consolidació de les xarxes socials els ciutadans hem passat a tenir un paper actiu, un paper participatiu que ha de donar molt de sí. Les empreses ja no poden enganyar perquè el ciutadà connectat pot veure les opinions que han penjat altres persones a la xarxa del producte en qüestió, pot comparar el que s’anuncia amb el que de veritat és, i pot  queixar-se, pot alçar la veu i la veu ser amplificada pels altaveus que són les xarxes socials. Amb aquest panorama, les empreses, que per existir hauran de ser digitals, no tindran més remei que actuar amb transparència i sinceritat.

 

Després d’una etapa homogeneïtzadora dels mitjans de masses, la confiança i la reputació tornaran a ser clau. Aquí és on entra el concepte de la plaça del poble. Antigament, quan es volia saber una cosa, explica Reig, s’anava a la plaça. La gent parlava i preguntava a qui més sabia sobre el tema que l’amoïnava. Aquella persona que anteriorment hagués mentit o hagués errat en el pronòstic ja no era consultada. El mateix està passant avui dia. Els social media fan que puguem estar enterats de tot i és per això que les marques que triomfaran seran les que tinguin més credibilitat i ofereixin el millor producte. Abans era més fàcil ser manipulats perquè la informació estava controlada per unes poques persones o pels mass media. Actualment, la comunicació que s’estableixi entre marca i ciutadà serà fonamental. Els dos seran a la xarxa. Els dos podran conversar de tu a tu.

Una marca que estigui a la xarxa tindrà molts més rèdits interactuant que difonent contingut, perquè amb la interacció arriba la confiança i amb la confiança, la reputació. Hauran de parlar a la gent del que l’interessa, buscar com els ciutadans la defineixen i respondre dubtes. Aportar valor. I si el consumidor té queixes l’empresa l’haurà d’escoltar i donar explicacions, perquè si no ho fa, aquest ciutadà, recolzat pel poder d’aquests altaveus digitals, ja sigui a través de Twitter, Facebook, del seu bloc, etc, podrà avisar a la resta de gent que ep, que vagin en compte, que aquella marca no és de fiar. D’aquí ve també el concepte d’empowerment (empoderament). Els ciutadans tenen el poder. Serà interessant veure com evoluciona tot plegat.

Angoixa 2.0

Senyores i senyors, us presento un nou concepte que m’acabo de treure d’això que n’acostumem a anomenar patilla. O de més avall, de sota la màniga. D’allà on més ràbia us faci. Doncs bé, sense més preàmbuls procediré a explicar de què tracta el que vindria a ser l‘angoixa 2.0. Pam! Aquí ho teniu. Ostres -pensareu- les deixa anar com si res, aquest noi és un agosarat, un revolucionari, aquí inventant-se noves expressions. Doncs no, perquè segur que ja ha estat utilitzat per algú altre més lúcid i ràpid que jo. Però no passa res. En aquest món ja està tot inventat, ho sap tothom.

Bé, anirem al gra. La definició estricta i acadèmica de l’angoixa 2.0 no la sabria formular, però el significat tindria bastant a veure amb aquella sensació que un té, quan arriba a un esdeveniment -diga-li concert, diga-li enfrontament esportiu, diga-li manifestació multitudinària per la independència de Catalunya- de voler treure el mòbil de seguida i començar a compartir la informació que tu estàs presenciant in situ, ja sigui piulant, fent instagrams, pujant contingut al facebook o simplement enviant la imatge per whatsapp a amics, coneguts i saludats. Més o menys això seria l’angoixa 2.0. I acabo de crear el concepte -no l’he creat, però feu veure que sí, gràcies- perquè jo mateix ho pateixo. Me n’he adonat. No diuen que el primer pas per afrontar un problema és admetre’l? Doncs au, ja està, ja em podeu portar a una reunió de malalts del 2.0 anònims si voleu.

Tornant on estàvem. Això de l’angoixa 2.0 no és gaire fotut, la veritat, però sí que et produeix certes ànsies. Estàs allà, patint perquè el mòbil no agafa cobertura; en una sala a les fosques i tu, allà, amb la ditxosa llumeta de l’aparell telefònic. En fi. Que si quan abans d’arribar a un esdeveniment ja penses en quin moment i amb quin filtre penjaràs la foto a l’instagram, és que pateixes angoixa 2.0. I si esperes impacient la mitja part per anar-te’n a l’altra punta d’on és el teu seient per agafar l’angle adequat per la foto, pateixes angoixa 2.0. I si estàs a la matinada de festa i entres a Twitter amb penes i treballs per tal de piular una anècdota, ets un angoixat 2.0.

I és així. I no hi ha més.  S’accepta, i ja està. Perquè tampoc volem curar-nos. Ens agrada -no..?-. I un cop el contingut està penjat a la xarxa i ho veiem amb els nostres propis ulls, doncs respirem alleugerits, i somriem. I aleshores és quan ja parem atenció al que hem anat a veure.

El abismo de la página en blanco. El bloqueo del escritor bajo el prisma cinematográfico (y II)

(Continuació del post anterior)

DOLOR

Donald Newlove decía que “La idea de que las mejores obras literarias surgen de la soledad y la desesperación magnificadas por la bebida es típica de adolescentes que no quieren crecer”. A lo largo de los años se ha extendido una idea que, a resumidas cuentas, viene a decir que el arte más elevado suele estar producido por las almas más atormentadas, que los genios más autodestructivos se pasan a la bebida y a las drogas para intentar llegar a un nivel superior que sin ellas no podrían alcanzar nunca. Es en Barton Fink donde mejor se ve plasmada esta idea gracias al comentario de su personaje protagonista cuando explica su particular filosofía de la vida

“No puedo empezar a escuchar a los críticos, y no puedo besarme a mi mismo por mi propio trabajo. Un escritor escribe de sus entrañas, y sus entrañas le indican qué es bueno y qué es… meramente adecuado”. (Barton Fink)

El convencimiento de que el origen de su capacidad literaria sea el dolor que lleva dentro está muy arraigada en el personaje de Fink. Sin embargo, tener esta visión –errónea- no lo salvará de padecer más adelante su particular crisis creativa. La verdad de todo esto es que los escritores afligidos crean su obra a pesar de sus debilidades, no a causa de éstas. Kafka creó grandes obres a pesar de su conspicuo auto odio, no a causa de él. Convirtiendo su lucha interior en la materia prima de su obra, logró una gran victoria.

SOLEDAD

“All work and no play makes Jack a dull boy”.  (“Mucho trabajo y poca diversión hacen de Jack un tipo apagado”)

 

En El Resplandor, esta frase, mecanografiada una y otra vez, rellena los tres-cientos folios del manuscrito que el ya trastornado Jack Torrance teclea en el clásico lugar del escritor bloqueado: un hotel vacío en la montaña. Para plasmar la crisis, Kubrick nos muestra grandes planos generales de la sala de estar del hotel y la figura de Jack, pequeña, en un rincón. Sin duda el director utiliza las enormes habitaciones del hotel para referirse a la mente vacía del protagonista. Si el alcohol era el primer recurso del escritor bloqueado, podemos decir que la huida hacia un lugar solitario es el segundo, a pesar de que muchas veces pasa por delante del primero. En la vida real esto también sucede. El guionista que vive en la ciudad y se va a trabajar una temporada en su casa de campo para evitar los ruidos exteriores, el poeta que se va a la montaña para pensar con tranquilidad. En las películas, en la gran mayoría de ellas, los personajes disponen de un sitio aislado o tienen algún contacto que les deja su casa por un tiempo. En la película La Piscina (Swimming-pool, François Ozon, 2003) su protagonista, Sarah Morton –interpretada por Charlotte Rampling-, es una escritora inglesa de novelas policíacas que viaja hasta la casa de campo de su editor, en Francia, con el fin de encontrar la inspiración para su nuevo libro, puesto que su mente está bloqueada. Su estada en esta casa –con piscina- desencallará su mente y la escritora logrará volver a escribir de nuevo.

A pesar de ser uno de los recursos más utilizados, irse al campo o a la montaña nunca es una garantía de éxito. La soledad de estos lugares puede hacer trabajar la mente demasiado y, junto a la angustia de no poder escribir nada, puede provocar alienaciones mentales de todo tipo. En La Ventana Secreta (Secret Window, David Koepp, 2004), Johnny Depp interpreta a un escritor en apuros recién divorciado que vive en una casa de madera en medio del bosque. Su vida en soledad, su todavía obsesión con la que ya es su exmujer y su crisis creativa –derivada de esta obsesión- acaban por llevar al escritor, Mort Rainey, hacia la senda de la locura, llegando a la esquizofrenia y creándose un alter ego psicópata –interpretado por John Turturro- que le termina inculcando la idea de matar a su exmujer con el fin de tener un buen final para el libro que intenta escribir.

IMMADUREZ

Una de las piedras angulares del bloqueo del escritor es el fenómeno de la eterna juventud. Muchas personas, al no escribir, obedecen la perentoria orden interior de no definirse, de no crecer, de no evolucionar. Muchos artistas tienen la extraña sensación y actitud de no pertenecer aún a la vida real. Este aspecto lo podemos ver de una forma muy lúcida en Fellini Ocho y Medio en la figura de Guido Anselmi, un hombre que pasa por una profunda crisis creativa y también personal, un hombre inmaduro cuya realidad se está desmoronando a su alrededor.

Otra gran película que habla sobre la eterna juventud es Desmontando a Harry (Deconstructing Harry, Woody Allen, 1997) que en ciertos aspectos es una evidente deudora de la forma y del fondo de la cinta del director italiano. Harry Block –como vemos Allen ya juega con el apellido de su personaje protagonista- es un escritor de éxito que ha basado toda su carrera literaria en describir en sus novelas las relaciones sentimentales por las que ha pasado.En un momento concreto de la película Allen hace gala de su originalidad llevando a cabo una solución formal muy interesante con el objetivo de plasmar el estrés i el caos que habita en la mente de Block: desenfocando al protagonista.

Harry Block es un puer aeternus genuino. Es un hombre inmaduro, egoísta y paranoico –muy típico de las pelis de Woody Allen- incapaz de controlar su vida personal. Su incapacidad para madurar, para ser un adulto con responsabilidades, provoca que sus relaciones se atrofien. Después de años con la misma conducta aparece el momento en el que todo implosiona; el momento de la crisis creativa.

A lo largo de este análisis hemos ido viendo distintos factores causantes o condicionantes del temido bloqueo creativo. Son factores retratados por obras cinematográficas; por lo tanto, las semejanzas con la vida real son importantes, pero no totalmente equivalentes. Seguro que hay infinitos aspectos que acaban llevando a una crisis creativa, tantos como seres humanos hay en el planeta. Las películas, sin embargo, han tratado seguramente los que mejor se ceñían a un guión cinematográfico, o los que mejor plasmaban lo que realmente el director quería trasladar al espectador. La mayoría de los ejemplos estudiados consiguen hacer llegar al gran público un tipo de crisis que, aunque parezca más superficial que otras, puede provocar un auténtico calvario a quienes la padecen. Y sino que se lo pregunten al personaje del guionista Charlie Kaufman –Nicholas Cage en Adaptation-.

El abismo de la página en blanco. El bloqueo del escritor bajo el prisma cinematográfico (I)

7 de junio. Mal día. Hoy no he escrito nada. Mañana no tendré tiempo.

(FRANZ KAFKA. Diarios)

La hoja en blanco. Oh, esa maldita hoja en blanco, aferrada a la máquina de escribir o digitalizada en el ordenador portátil. Cuántos quebraderos de cabeza ha provocado a la humanidad. Poetas, guionistas, dramaturgos. Profesionales de la escritura, amateurs. Todos ellos la han tenido delante suyo, en frente de sus narices. Muchos han conseguido llenarla, otros no han tenido tanta suerte y han sucumbido a su poder, incapaces de superar el desafío psicológico que la hoja les propone.

¿Cómo llega el escritor a sufrir esta, podríamos llamarla, crisis intelectual? El cine, en tanto a arte que se nutre de otras artes, también ha intentado explicar el motivo de estos bloqueos o, al menos, nos ha aproximado a ellos mediante diferentes historias donde el protagonista es un escritor que pierde, de repente, el sentido de la escritura. El cine es el arte que más y mejor ha tratado esta temática. El hecho de tener que escribir un guión –que es la base de toda obra cinematográfica- plantea implícitamente la posibilidad del bloqueo en algún momento de su confección. La estrecha comunicación entre estas dos formas de realizar arte ha provocado que el cine sea la manera más representativa de plasmar el bloqueo creativo de un escritor, porque lleva en su proceso creativo la escritura misma.

Para empezar, podemos ya de entrada definir el tipo de personaje que nos presentan estas películas. Cada trabajo lo presenta de una forma distinta y peculiar, pero se puede llegar a un cierto común denominador en todas ellas. La mayoría de ellos nos presentan un perfil de escritor muy concreto: normalmente es un antihéroe con dificultades a la hora de relacionarse con el mundo exterior que, a pesar de su condición, ha llegado al éxito gracias a su talento literario.

El bloqueo creativo les llegará después de irrumpir en sus vidas ciertos factores que iremos viendo a lo largo de este análisis, entre ellos: ÉXITO, ALCOHOL, DOLOR, SOLEDAD, IMMADUREZ.

ÉXITO

Para contarnos estas historias el cine nos presenta un tipo de escritor que ya se ha encontrado con el éxito. Su nombre es reconocido por el público y sus publicaciones suponen una cantidad importante de ventas o una expectación elevada por parte de las personas interesadas en sacarle provecho.

Un éxito considerable, sin embargo, puede dejar al escritor atemorizado de salir al escenario delante la perspectiva de decepcionar a un público mucho más amplio o a la crítica cruel y muchas veces envidiosa de los otros por haberse convertido en una diana visible. Guido Anselmi (Marcello Mastroianni), el alter ego de Federico Fellini en Fellini, Ocho y Medio (Otto e Mezzo, Federico Fellini, 1963), pasa en parte por esta experiencia y se encuentra a merced de un envanecimiento infantil que nunca hubiera pensado que experimentaría. La megalomanía y el pánico a defraudar a los demás, entre otras cosas, lo amenazan y es entonces cuando tiene que recurrir a sus recuerdos de infancia, sus recuerdos más queridos, guardados en lo más profundo de su ser, para intentar desencallar su intelecto. Federico Fellini nos muestra a un Mastroianni solo y derrotado, incapaz de crear artísticamente.

Así pues, esta es una de las formas en las que aparece el factor éxito en las películas relacionadas con el bloqueo creativo, pero no es la más común. Hay varios ejemplos de historias donde el éxito sólo es el punto de partida para la llegada, más adelante, del bloqueo; es decir, gracias al éxito que tiene, al escritor le surgen nuevas oportunidades o nuevos escenarios que, estos sí, serán los causantes de la crisis creativa. En Barton Fink (Barton Fink, Joel & Ethan Coen, 1991), el éxito que tiene su protagonista –interpretado por John Turturro- en la escena teatral de Broadway hará que le llegue una oferta de Hollywood que no podrá rechazar. Fink viajará hasta California y será en este nuevo escenario donde sufrirá su crisis creativa. En Adaptation. El Ladrón de Orquídeas (Adaptation, Spike Jonze, 2002), Charlie Kaufman –el tímido personaje interpretado por Nicholas Cage y que, acorde con el juego narrativo que plantea toda la película, lleva el mismo nombre que el talentoso guionista real-, gracias a ser considerado un guionista de éxito, recibe el encargo de un importante estudio para llevar a cabo la adaptación de un libro muy peculiar, un libro sobre flores. Será en este nuevo reto, al intentar cumplir con el encargo, cuando le aparecerá su particular bloqueo.

“Para empezar… Para empezar… Cómo empiezo? Tengo hambre. Debería hacerme un café. Un café me ayudaría a pensar… Pero debería escribir algo antes, y luego, como premio, un café… Un café y una pasta. Bien, entonces tengo que concreter el tema. Quizá una pasta de nueces y plátano. Esa está buenísima”. (Charlie Kaufman)

En estos dos ejemplos el éxito supone demasiada presión para ellos. En Barton Fink, los Coen optan por incluir una multiplicidad de planos de la máquina de escribir del protagonista en la habitación del hotel –visiones laterales, frontales, planos detalle…-, que nunca aparece sola –con el ventilador a su lado, con montones de folios arrugados a su alrededor, con el cuadro encima…-, resaltando la obsesión de Barton por intentar escribir algo.

 

ALCOHOL

En la que sería su quinta película, Billy Wilder trasladó al cine una historia parecida. Don Birnam –interpretado por Ray Millan- es un escritor alcohólico. Su frustración causada por su incapacidad de escribir le lleva a la bebida, frustración agraviada tras comprobar que le ha desaparecido todo el talento del que gozaba cuando era joven.

“La razón soy yo, lo que soy. O más bien dicho, lo que no soy. Lo que quise ser y no fui. Quería ser escritor. Estúpido, no? En la universidad me llamaban genio. No podían publicar la revista universitaria sin una de mis historias. Chico, estaba inspirado… Al estilo Hemingway. Mi punto álgido fue a los 19 años. Me mudé a Nueva York. Quien quiere permanecer en la universidad cuando se es Hemingway?”  (Don Birnam)

En Días Sin Huella (The Lost Weekend, Billy Wilder, 1945), Birnam cree que el alcohol lo devuelve de alguna forma a la vida: elimina sus inhibiciones habituales y abre la puerta al inconsciente. Dice que cuando bebe es capaz de escribir cualquier cosa. Es su forma de establecer contacto con este inconsciente suyo. Sin embargo, en el fondo sabe que no es verdad y todo resulta ser un trágico círculo vicioso, que termina con Birnam ingresado por la que ya será su enfermedad.  Además, la fotografía, seca y poco luminosa, y la banda sonora, que aporta a la película un tono mágico, algo surreal, hace dar cuenta al espectador el tipo de vida que tiene el protagonista, que se mueve entre lo que es real i lo que no lo es a causa del alcoholismo.

Así pues, la bebida es otro de los elementos comunes que aparecen en todos estos trabajos. Podríamos decir que el alcohol es el primer –o uno de los primeros- recursos del escritor bloqueado. La incapacidad para escribir algo interesante lleva a Jack Torrance –Jack Nicholson- a pasar noches enteras bebiendo y sin dormir en El Resplandor (The Shining, Stanley Kubrick, 1980). Jack caerá en un estado que se moverá entre la somnolencia y la agresividad, y que resultará ser el punto de partida de su particular viaje hacia los infiernos –y el de su familia- en el remoto Hotel Stanley.

(Aquest post és una ampliació d’un treball que vaig elaborar l’any passat i que s’havia d’escriure en castellà, motiu del canvi d’idioma. La segona part, d’aquí uns dies. Gràcies!)

Els cinemes de Valls. Expectatives no complertes (i II)

A la primera part d’aquest article parlava d’alguns factors que han pogut i poden condicionar la manca d’assistència de la població vallenca als cinemes de la seva ciutat. A la falta d’una gran zona de pàrquing, la poc més que correcte connexió de l’emplaçament amb l’entrada de la ciutat i el tema de la confiança –que comentava el Sergi Martínez, treballador dels cinemes JCA- i el costum de marxar fora, se n’hi podrien afegir alguns altres que acabarien d’esbossar, probablement, el marc general.

Primerament, una pregunta que tots ens hem fet algun cop als darrers anys: Per què no arriben alguns títols importants o, si arriben, ho fan amb una, dues o tres setmanes de retard? El tema de pelis destacades que no han estat en cartellera a Valls també s’ha de comentar. No hi ha un patró sobre quins títols vénen i quins no. Els títols més comercials, és a dir, els anomenats blockbusters -els Crepúsculo o els Harry Potter de torn-, arriben sempre puntuals. Ara bé, a partir d’aquí, el tema es complica. Per exemple, Dark Shadows, de Tim Burton, que la podríem considerar una peli força comercial (fa temps que Burton treballa completament dins del sistema i pel sistema), s’ha estrenat aquest divendres però no ha arribat encara a Valls. El que sí que sabem, però, és que si arriben o no depèn en bona part de l’afluència de públic a les sales. Sergi Martínez ho explica: “Tenim moltíssimes estrenes, i les que no tenim no és perquè no es vulgui. El món del cine és com una roda recíproca, i les còpies de les pel·lícules d’estrena van per aquells cinemes que més espectadors tinguin. Per tant, a més gent i més confiança, més títols rebríem”. És perfectament lògic: si no hi ha recaptació no hi ha còpies, i els encarregats de la distribució seran prou llestos com per no invertir els diners en unes sales que saben que no els tornaran la inversió feta. És un tema important aquest, i acabem de comprovar que té molt a veure amb l’assistència o no del públic a les sales.

Un altre factor, segurament el que més es palpa entre els espectadors i segurament també el que fa més mal a la imatge general dels cinemes:  les instal·lacions, o més ben dit, el servei. Segons sembla els equipaments són molt bons comparat amb altres cinemes de la zona, però també és veritat que poca gent ha sortit “il·lesa” de la seva estada a les multisales. Amb aquesta expressió vull dir que des de pràcticament el naixement del cinema que arriben molts comentaris sobre errors en el moment de projectar el film. Per exemple, problemes de so –massa fluix, canvis de volum-, aturades sobtades de la projecció,  tràilers projectats del revés… i, fins i tot, la no projecció de la pel·lícula per un oblit –es va haver de sortir a avisar-los-. Igual que si comprem un producte i ens arriba en mal estat segurament ja no donarem una segona oportunitat a la marca en qüestió, aquestes coses acaben afectant l’opinió que té la gent sobre els cines. La imatge és molt important i més en la situació en la qual es troben els cinemes. No es poden permetre el luxe que passin errors com aquests, senzillament.

Finalment m’agradaria puntualitzar una qüestió. Aquí tothom dóna per fet que és principalment el jovent de Valls qui no va al cine. Sense treure’ns part de culpa, no puc estar de dir que cada vegada que hi he anat, hi havia molta més gent jove que gent gran, a la sala. És molt fàcil posar-se còmodes i culpar a la gent jove. Sempre s’ha fet, és la solució fàcil. L’altre dia, en un restaurant, una parella d’uns 60 anys explicaven al cambrer que més tard anirien al cine. “Aneu aquí  a Valls?”, va preguntar-los el cambrer. “Aquí? No, no.. anem a Tarragona”, va respondre l’home. I no són ni la primera ni la última parella que ni consideren els cines d’aquí com a opció. Cal recordar, també –i sense voler-ne fer la causa principal-, que aquí no val el Carnet Jove, sorprenentment, i això és un altre aspecte negatiu (pots tenir descompte presentant carnets d’estudiant, del TRESC o de +65 anys). Que hi podrien anar molts més joves? Home i tant. Però també hi podrien anar molta més gent gran. O sigui que les culpes pel jovent no em serveixen.

En fi, al llarg d’aquest article hem anat veient alguns factors que poden haver condicionat que les expectatives inicials del cinema de Valls no s’hagin complert. No parlaré de fracàs encara. Els cines no estan en coma, però presenten símptomes de malaltia des de fa temps. Què més vol la gent que uns cines a la seva ciutat? Com diu l’Ivan Rodón en un comentari de l’últim post, els cinemes només es trobaran a faltar quan hagin tancat definitivament. I és que Valls molts cops som així. És la nostra ciutat, però en moltes ocasions apartem la mirada i fem veure que el que hi passa no va amb nosaltres. I aquesta actitud ha de canviar d’alguna manera. Perquè com molt encertadament diu en Sergi Martínez, “no val només ser de Valls per les Decennals”.

PD. La intenció a l’hora d’escriure aquest article era entrevistar el gerent de JCA Cinemes, el senyor Miquel Cortada. Després de trucar-lo insistentment la seva secretària em va donar a entendre que no era una prioritat pel sr. Cortada parlar amb mi. Que jo ho entenc perfectament, però ho puntualitzo per si algú es pregunta per què no hi ha declaracions seves.

La generació més (pre)parada

Volia estrenar el bloc amb un article periodístic que, en el fons i en teoria, és el que se’m dóna bé. Però els camins de les xarxes socials són inescrutables, i m’he topat de cara amb un producte audiovisual que necessito ensenyar. És un vídeo al darrere del qual hi ha Benjamín Villegas, un jove músic andalús -afincat a Barcelona- que diu formar part de la generación perdida, la generació que va néixer durant la dècada dels 80. Sí, la generació més ben preparada de la història. Se’n recordeu? De tot allò ja no en queda res. Com perfectament explica Villegas al vídeo, ara és la generació que ha de lidiar amb 3 crisis a la vegada: la dels 30, l’econòmica i la de valors.

Jo, tot i ser del 88, m’hi he sentit plenament identificat. Potser no per la crisi dels 30, però sí per tota la resta. Ens van fer creure que el futur era immillorable, que estudiant i esforçant-nos arribaríem al nostre final feliz, que diu Benjamín. I els vam fer cas. I ens vam esforçar. Ningú ens havia avisat sobre el que ens cauria a sobre. Ara ens hem de reinventar quan encara no ens havíem ni arribat a inventar. Ara ens toca buscar camins originals, tenir idees brillants i estar sempre al lloc i al moment adequats. I això no és just, ni és possible.

Aquí teniu el vídeo:

Benjamín Villegas està duent a terme una campanya de micromecenatge per tal de finançar el seu primer disc, que es titularà “Ensayo sobre la generación perdida”. De moment ja ha aconseguit uns 1.400 euros, i el seu vídeo ha superat les 70.ooo visites a Youtube en 4 dies.